Stone artefacts conservation

STONE ARTEFACTS

WHAT CONSERTAVION MEANS

STRATEGY FOR CONSERVATION
Conservation is a duty of protection that each one of us has in relation to the environment, its cultural heritage, its diversity and identity respect to other ethnic groups, religions and social status. Generally it means to promote and contribute to conservation of material and immaterial works: our culture and our custom, our art that have been passed down and that we must deliver to the future generation. This is achieved through steps involving the materials constituting the artifacts and the environment conservation. We must know the materials, their behavior, their interactions with the environment to having correct vision of the specific conservative needs.

In principle there are three times correlated with the conservation of artifacts:
– ancient, where the knowledge of the materials was of great relevance to workers and artists;
– intermediate, characterized by the exchange of books, collections and museums;
– modern, where it exceeds the traditional materials and traditional methods with the study of the dynamics of degradation and the behavior of ancient materials and synthetic ones used for the restoration.
The requirements of knowledge regarding modern treatments are: thorough knowledge of the constituent materials, knowledge of the ‘excursus vitae’ of the artifact; knowledge of conservation and awareness of the treatments received by the artifacts over the years.
Based on the knowledge mentioned before, derived from the interpretation of data and intersection from scientific analytical processes and research of historical sources, we can develop the most advantageous strategy for conservation.
In any type of artistic work, there are technological or restoration operations that involve the use of natural and synthetic materials, traditional or innovative, always with interactions or physical or chemical contact with the materials constituting the artifacts. They are typical of the type of each work of art.

Preliminary studies
Preliminary study allows us to understand and have full and complete knowledge of the work of art to be restored. This study is summarized in a number of preliminary researches concerning the publications that cover the issue of interest, findings, architectural components and archaeological sites to be retained; historical photos and archival reports and/or techniques on any conservative intervention made in the past. The preliminary study also includes:
– graphic survey: plants, share, sections, any significant relief in scale 1:1, paintings of areas of particular interest;
– photographic survey: general photographs, photographic survey of the conservation condition before the restoration, photos documenting particular areas to be studied carefully.
The survey (two-dimensional and/or three-dimensional) must be finalized to the knowledge of the work of art, assuming, for example, that our reference unit for a wall structure is ashlar stone. The use of non-destructive investigation methodologies is useful for the analysis on sight, the photographic and reflectographic relief, which contribute significantly to the knowledge of the areas and materials and are able to highlight the differences just perceptible or completely invisible to naked eye, and often help in the identification of significant restorations, various states of degradation, etc..
The most significant parameters through which to articulate the visual observation are: geometry of the object, types of materials, colors, size and performance, size and characteristics of the eventual joints of mortar in the interstices, composition, iconography,
conservation status and points of sampling.
There are various non-destructive methods for the relief of the color in terms of both quality and quantity: the traditional relief and digital photography using band kodak as a color reference, for a more faithful reproduction of the areas concerned. The method of visual comparison relies on the comparison between the colors under consideration and a set of standard samples, such as the Munsell book of color (1488 samples of color); the instrumental relief is based on the elaboration of the measure of diffuse reflectance from the surface of the sample.

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Pitting in mosaic tesserae

MORPHOLOGIES OF ALTERATION AND DEGRADATION
THE ITALIAN STANDARD UNI 11182/2006
This Italian standard provides the definitions of terms used to indicate the different forms of alteration and micro-organisms visible macroscopically. The document permits the detection of the state of conservation of the stone surface and the definition of the causes, while the extent of the alteration will be detected later by diagnostics. In this context, alteration is a modification of the material that does not necessarily imply a deterioration of characteristics in conservative terms, while degradation is a modification of the material that involves a deterioration of characteristics in conservative terms. We list below the terms of alteration and degradation with their definition.
– Absence: loss of three-dimensional elements (in the arms of a statue, in a loop, mosaic floor tiles).
– Alveolization: presence of cavities of variable shape and size, such alveoli, often interrelated and uneven distribution.
– Biological colonization: presence, macroscopically detected, of micro and/or macroorganisms (algae, mosses and lichens).
– Biological patina: thin and homogeneous layer, consisting primarily of micro-organisms of varying texture, color and adhesion to the substrate (Figure 2.1).
– Boundary of migration: limit of the migration of water, usually upwards, which is manifested by the formation of efflorescence and/or loss of material. It is generally accompanied by change of color saturation in the area below.
– Casting: tracks vertically performed; frequently they are several in parallel.
– Chromatic alteration: natural variation of the parameters that define the color of the material. It generally covers the entire surface of the materials concerned; when the alteration occurs in a localized area, it is preferable to use the term stain.
– Crust: modification of the surface layer of stone, of variable thickness, generally hard, distinguishable from the underlying parts for the morphological characteristics and often in color. It can also detach spontaneously from substrate that generally appears disrupted and/or powder. – Deformation: change in shape that involves the entire thickness of the material.
– Differentiated degradation: loss of material from the surface, indicating the heterogeneity of the texture and structure; in the case of plaster can take a characteristic form similar to a small rose.
– Disintegration: de-cohesion with the fall of material in form of powder, or tiny fragments. Sometimes the term ‘pulverization’ is used as a synonymous.
– Efflorescence: formation and appearance of crystalline powder, usually white, on the surface.
– Encrustation: stratiform compact deposit, generally adherent to the substrate. The deposit is defined concretion when it is preferentially developed in a direction not coinciding with that of the stone surface and takes the form of stalactite or stalagmite.
– Erosion: removal of material from the surface which in most cases is compact.
– Exfoliation: formation of one or more laminar portions, called ‘sheets’, with very reduced thickness and sub-parallel between them.
– Film: superficial layer of transparent or semitransparent substances, which are consistent with each other and unrelated to the stone material (for example protective film, film with aesthetic function, etc.).
– Fracture or slot: discontinuity in the material that implies the mutual displacement of the parties. In the case of incomplete fracture, in Italy we use the term cricca; when the phenomenon occurs in the glassy coating of ceramic materials, we use the term cavillo.
– Graffiti vandalism: affixing of colored paint on the surface of the work.
– Lacuna (gap): discontinuity with loss of material, for example part of a plaster or a painting, piece of ceramic body or ceramic coating, mosaic tiles, etc.

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Biological patina on a building in Rimini: macrophoto on the left
and microphoto on the right.

– Patina: natural modification of the surface; it is not connected to particular phenomena of degradation and is perceived as a variation of the original color of the material.
– Pitting: Degradation that occurs with the formation of blind holes, numerous and close together. The holes mainly have cylindrical shape with a maximum diameter of a few millimeters (Figure 2.2).
– Posting: a) mortar: discontinuity between layers of plaster, both among themselves and with respect to the substrate, that usually preludes to the fall of the layers themselves; b) ceramics: discontinuity between coating and ceramic body or between two coatings.
– Stain: localized color variation of the stone surface (especially marbles); it is related to the presence of foreign material (water, oxidation products of metallic materials, organic substances, paints, and microorganisms).
– Superficial deposit: accumulation of materials of various nature, such as dust, soil, guano, on the surface. The deposit has variable thickness, generally poor coherence and poor adhesion to the material below.
– Presence of vegetation: presence of herbaceous plants (higher plants).
– Swelling: localized lifting of the material surface, variable in shape and texture depending on the state of conservation.

DOCUMENTATION OF THE CONSERVATION STATE
The morphologies of alteration and degradation must be graphically represented by thematic tables, also the constituent materials must be marked in such a way that helps in understanding and interpreting the conservation status of an artifact prior to conducting any intervention. So is important and fundamental the graphic and photographic documentation of conservation status of the artifact before conservative intervention.
The diagnostics along with the archival documents are to be considered our point of departure for a project of conservation and without which it is not possible to perform a correct conservative intervention.
The thematic charts of conservation status are the identity card of the artifact and this should highlight the types of materials, morphology of deterioration and alteration and their location.

THE PRINCIPLES OF CONSERVATION
In principle, every intervention of conservation can be divided into three main phases: cleaning, consolidation and protection; not necessarily all three are present and not always the sequence of execution is the one cited above. Reasons of safety for the artifact sometimes recommend its pre-consolidation before cleaning it. Generally the conservative intervention terminates with its detailed documentation.

CLEANING
Cleaning is the removal of materials, unrelated or not, in different state of aggregation and of different nature (crust, concretion, patinas, deposits, vegetal and animal organisms) which disrupt or prevent the enjoyment of any aesthetic or material level of the artifact. In fact its action or a too vigorous cleaning may also remove historical patinas, reducing the artifact to a mere material object, deprived of its past. Often enough in recent times, a thorough cleaning was carried out that affected the work, such as a polychrome surface.
This is an outdated view of cleaning, the “renewal” of a surface; today, cleaning means “thinning” of the surface patina of an artifact. The purpose of cleaning, in terms of conservation, is to remove what is harmful to the stone: soluble or insoluble salts, layers of various materials intentionally used and not suitable or no longer functional, infesting vegetation, dirt, etc., respecting the upper layer of the artifact. And this should occur without producing harmful substances for the conservation of the materials, or micro abrasion on the surfaces.
The main cleaning methods can be grouped into: physical, chemical and mechanical. Before performing the cleaning operations, the following preliminary operations should be made:
– detailed analysis of the consistency of the materials,
– analysis of reaction products,
– pre-consolidation (reversible) if there is a need.
Water is among the most common solvents for cleaning operations, although in some cases it is incompatible with certain substrates, because most artistic materials are insoluble in water (metals, stones, textiles, organic materials). In addition, because many substances are conveyed by water, this last can operate equally well in their removal.

CONSOLIDATION AND PROTECTION
The term “consolidation” indicates a treatment designed to improve the cohesion and adhesion between the constituents of a artifact. Consolidation must restore the structural continuity of the material and recover the primary characteristics of matter, or at least bring them close to their initial values. It must not exaggerate in the continuity, or block the existing porosity. Of course all of this while respecting the meaning of the artifact and its iconographic aspect. The consolidation should bring benefits to the structure of the material, but without exceeding in this, otherwise you can get imbalances and very dangerous tensions in the structure. Consolidation should not alter the appearance of the materials of the artwork (increasing the reflectivity, colour saturation) and respect the characteristics of the materials.
The inorganic consolidants have considerable affinity with the stone, as regards the physical properties, and they last more than the organic materials, but the improve of mechanical properties induced by inorganic consolidants is much lower. With inorganic
consolidants you can not weld cracks whose walls are distant less than 50-100 microns. This is because the hardening of the inorganic compounds is too rapid; in addition there may be the clogging of the pores near the surface. Difficulties in penetration there are also for organic consolidants, in particular those with large polymer molecules. The distribution of the consolidant within the stone also depends on the concentration of the solution, the type of solvent, the contact time, pressure and temperature of the working environment.
Each material undergoes processes of transformation caused by environmental imbalance. The protection interventions are designed to make these transformations less likely or slower. The protection offered by chemicals is to reduce the penetration of water inside the porous structure, making the surface and the walls of the pores hydrophobic; consequently are reduced all the phenomena that develop in the presence of water, such as transport and crystallization of salts and the phenomenon of freezing/thawing.

DOCUMENTATION OF THE CONSERVATIVE INTERVENTION
Finally, it is of fundamental importance the graphic and photographic documentation of the various conservative interventions performed on an artifact. The graphical documentation can be done through tables showing the themes and highlighting the areas of intervention and the type of intervention performed.
You must make an extensive photographic documentation during the operations for the conservation and restoration; at the end of each work, there must be a report, which is a technical-scientific summary of what was done to the artifact, with lots of graphic and photographic documentation. In addition the results of the work must be made public, with conferences, scientific meetings and subsequent publication, so that the work is found to be consultable from interested persons and not. This documentation helps the restorer to apply the most appropriate methodologies to obtain excellent results. In addition, it will be of paramount importance to perform other conservative interventions in the future.

(Continue…)

Science and Conservation for Museum Collections

The cleaning of pictures in relation to patina, varnish and glazes

The recent acrimoniuous controversies on the cleaning of pictures has done nothing more than paralyse the positions taken up by the upholders of radical cleaning and the partisans of patina. Unfortunately, once a picture has been totally cleaned, when nothing survives but the layer of paint in full impasto, it is impossible to judge whether glazes have really been removed,, whether there still existed at least patches of olf varnish, and finally whether the patina, even if dark, was not preferable to the raw, brutal sufrace of paint laid bare by the cleaning.

The upholders of total cleaning proceed from a criticism of the concept of patina: they accuse it of being a romantic concept, that is to say, of falsifying the picture by emotional overtones which, according to them, correspond to the romantic predilections of sentimentalism, ruins, mystery, twilight, and so forth.

It is as well to refute from the outset this too hasty assumption about patina. Patina, even if it were worked up artificially and exaggerated in the romantic epoch, was by no means a romantic invention. In 1681, in the hey-day of High Baroque, Baldinucci defined Patena (patina) in the following way in his Vocabolario toscano dell’Arte del Disegno:

Voce usata da’ Pittori, e diconla altrimenti pelle, ed è quella universale scurità che il tempo fa apparire sopra le pitture, che anche talvolta le favorisce [Term employed by painters, which thei otherwise call skin, it being that general darkness which time causes to appear on paintings and which often enhanced them as well].

theory of restoration Cesare BrandiThe definition is so precise that it can still be substantially accepted today. And let this be borne in mind: it proceeds from a Tuscan writer who had at his disposal the pratice and theory of painting as it had developed in Tuscany, in Florence, where dfartsmanship and intellectualism were so highly prized. It does not come from a Venetian, or from a Tuscan like Aretino, who was steeped in the pictorial tradition of Venice and preferred it to that of Florence.

Thus, Tuscan Baroque painting is famous even today for the uncompromising violence of colours which, one might have supposed, would have made the painters of the day all the more predisposed toward patina. The concept of patina might be said to go back even further than the Baroque era.

Already Vasari in his Trattato della Scultura repeats recipes for artificial patinas applied in his day to bronze. This gives cause for reflection. If the sensibility of Renaissance artists induced them to tone down the brightness, and soften the overpowering impact, of newly fashioned bronze, is it not, conceivable that they should also have sought to temper the crudity of their colouring, of the too ostentatious display of hearth-colours, lacquers, and ultramarines?

The triumph of the materials over the form is all to the detriment of the form: the materials in a work of art must be induced to serve, in a subordinate capacity, the image itself. To reach such a conclusion it is not necessary to depart form a theory of aesthetics. All that is needed is the watchful sensibility of the artist who well knows that he cannot and must not sink to the level of the artisan. The work of art in which the materials triumph we call handicraft: the jewel, the vase, the plate, not the picture or the statue. The function of patina, therefore, is to conceal the materials used in a work of art, to arrest the work of art on the threshold of the image, to prevent it from relying or its appeal on irrelevant qulities.

It is as well to emphasise that the arguments pur forward above would equally well hold water in those cases where it was possibile to demonstrate that the colours of old paintings were preserved exavtly in the way that they were applied by the artists, and that above all they maintained, beneath the patina, the ewuilibrium they held originally. This proposition, which the upholders of radical cleaning are bound to assume as a self-evident truth, is an absolutely arbitrary presumption. It is not self-evident, it just cannot be proved.

The last refuge of the upholders of total cleaning is the hypothesis that dirt, varnishes accumulated over centuries and so forth,are being palmed off as patina. It is precisely in order to dispel doubts and reassure wavevers that we are happy to be able to bring forward three important witnesses, from which it can be proved that what we call patina can more often than not be shown to consist either of glazes or of tinted varnishes. Our examples will be chosen from widely divergent periods, so as not to imply that these methods are restricted to any particular school or artist. They are cases which have come to the attention of the Istituto Centrale del Restauro in Rome where the practice of cleaning à l’outrance has never been followed and where, by way of recompense, the author of this article has at least been able to find indubitable proof of the validity of the methods he employed.

When examining the surface of Giovanni Bellini’s Pesaro Incoronation, which an earlier and ill-omened restoration had skinned in an attempt, fortunately checked half-way, at total cleaning, I noticed that around the head of St. Peter the previous incautious restorer had carried away, in an attempt at cleaning, the gold laid on to the alrdeady completed painting with delicate brush-strokes. Now it was possible to observe that, a layer which, if it had been applied at a later date, would necessarily have disappeared with the gold. This observation persuaded me quit confidently to forbid the removal of the varnish in spite of the fact that this course was recommended in the literature on the subject and by experts visiting the Institute.

But the final confirmation of my reasoning came when I turned my attention to the compartment of the predella representing St Terence. Here too, the earlier restorer had tried to clean off the varnish where it has been gilded at one point, on the steps below the Saint, and this is what happened: Bellini had painted in directly on the guiding lines of the perspective but had instead added by glazing the subdivisions of the stones and the bronze clamps – in the Roman manner – between one block of stone and the next. All this had been secured by a fairly thick varnish which was impossible to remove without carrying away with it the parts added by glazing. When the varnish was examined, it was found to be composed of hard resin with traces of yellow lacquer. In other words, Bellini had used a tinted varnish to lay a tone over the whole painting.

(excerpt from the book Theory of Restoration by Cesare Brandi, Nardini Editore)

Theory of Restoration

 

Il restauro della “Cortigiana con parasole” di Kawanabe Kyosai nelle collezioni di dipinti giapponesi del castello di Aglié

Bollettino ICR. Il restauro della Cortigiana con parasole di kawanabe Kyosai nelle collezioni del Castello di Aglié
[…] Nel dipinto, la cortigiana indossa “Un kimono da parata con un’ampia cintura (obi) allacciata sul davanti e alti zoccoli di legno; l’acconciatura è impreziosita da un pettine ornamentale e orpelli per capelli (kanzashi) fatti risaltare con leggeri tocchi di colore rosso. L’accompagna un servitore che sorregge il parasole e la osserva con sguardo rapito.
Il dipinto reco due firme. Vicino alla figura femminile si legge in alto Kyosai, delineato con l’ideogramma che l’artista utilizzava dal 1871. Pittore ormai affermato all’epoca, dipinse la Cortigiana con parasole con pennellate rapide e spontanee, utilizzando pochi colori. I colpi di pennello che delineano il kimono sembrano quasi astratti e rappresentano il modo sicuro il drappeggio dei tessuti e il corpo che ne è avvolto. L’accompagnatore con il parasole fu invece dipinto da Kawabata Gyokusho (1842-1913), come si evince dalla firma Gyokusho sha, che significa ‘dipinto da Gyokusho’.”

Si tratta quindi di un dipinto realizzato a quattro mani, del genere seki-ga (letteralmente. pittura seduta) ovvero un tipo di pittura estemporanea e veloce, di moda in Giappone a cavallo tra Ottocento e Novecento, realizzata in occasione di incontri conviviali di pittura e calligrafia, chiamati shoga-kai (letteralmente: incontri di pittura e calligrafia), che avevano luogo in locali pubblici, dove gli artisti ingaggiavano delle vere e proprie competizioni artistiche realizzando opere all’impronta. Queste manifestazioni erano aperte al pubblico: pagando un biglietto d’ingresso, si potevano assistere alle gare di pittura e chiedere agli artisti di dipingere e scrivere poesie.

Niente di più facile, quindi, che anche il duca Tommaso di Savoia avesse partecipato agli shoga-kai e avesse così conosciuto Kyosai che ne era un assiduo frequentatore, e ne fosse rimasto affascinato. Sembra infatti accertato che anche gli stranieri avessero accesso a questi incontri, come dimostrano alcuni schizzi dello stesso Kyosai che ritraggono la presenza di alcuni gentiluomini a queste manifestazioni.

I dipinti su carta della collezione del castello di Aglié sono tutti caratterizzati da un tipo di pittura estemporanea e veloce, realizzata con pochi tratti di inchiostro, con soggetti divertenti e a volte dissacranti, che ne confermerebbero l’origine conviviale e informale, qual era quella degli shoga-kai.

 

La tecnica esecutiva

Bollettino ICR. Il restauro della Cortigiana con parasole di kawanabe Kyosai nelle collezioni del Castello di Aglié
A sinistra, particolare della figura della cortigiana con la firma di Kyosai. A destra, particolare della figura del servitore con la firma di Gyokusho

L’unicità della collezione dei dipinti giapponesi su carta del castello di Aglié consiste nel montaggio, realizzato con materiali occidentali a imitazione della tradizionale tecnica artistica giapponese del kakejiku.

L’utilizzo della tela come materiale di foderatura, l’uso di carta dipinta con motivi decorativi orientaleggianti come bordura, la maniera grossolana con cui sono stati assemblati i manufatti, confermano che si tratta di montaggi eseguiti in Europa a imitazione dei ben più raffinati montaggi tradizionali giapponesi.

Su può ipotizzare che il duca Tommaso, che riportò dal suo lungo viaggio in Giappone anche due veri e propri kakejiku su seta, avesse chiesto alle maestranze locali di incorniciare ‘alla maniera giapponese‘ anche i dipinti su carta, prendendo a modello i due su seta.

La Cortigiana con parasole, così come gli altri dipinti della collezione, è stata eseguita con tratti veloci e senza alcun disegno preparatorio, con inchiostro sumi e colori a base di colla animale secondo la tradizione artistica giapponese, su una carta sottilissima del topo wa gazen-shi. Di derivazione cinese, questa carta si ottiene dalla mescolanza di fibre lunghe di Kozo (Brussonetia kazinokj Sieb.) con fibre corte di bambù, a cui può essere aggiunta anche paglia di riso. Tale supporto viene privilegiato per l’esecuzione della calligrafia per la capacità di assorbire l’inchiostro conferendo al tratto morbidezza e intensità. Si tratta di una carta estremamente fragile e poco resistente a causa della presenza delle fibre corte di bambù, che garantiscono, contro, l’assorbenza e lo spandimento ideale dell’inchiostro.

I pigmenti impiegati da Kyosai, in stesure sottilissime, sono il cinabro per il rosso e il nero al carbonio per l’inchiostro, mentre resta ancora da individuare il colore azzurro utilizzato per delineare il parasole, di probabile origine organica.

Le carte di bordura che incorniciano il perimetro del manufatto presentano due tipologie differenti di decori, che si ritrovano anche in molti altri dipinti della collezione: una è di colore nero con un motivo puntinato in bianco, rosso e verde, mentre l’altra mostra una decorazione geometrica su fondo verde di colore rossiccio che, originariamente, avrebbe dovuta essere dorata, a imitazione di un vero e proprio tessuto di broccato. Le carte, tutte occidentali e di consistente spessore, sono colorate a tempera con l’ausilio di stampi; le analisi sui pigmenti hanno evidenziato la presenza di nero al carbonio, resinato di rame per il verde e cinabro con tracce di minio per il rosso, mentre le parti dorate, di cui rimane solo una traccia, sono state invece realizzate in lamina di ottone su una preparazione eseguita con ocra rossa.

 

Il restauro. Stato di conservazione

L’impiego di materiali estranei a quelli impiegati tradizionalmente in Giappone, quali l’incorniciatura con carte da parati di fattura europea al posto del broccato di seta, la tela di cotone sul verso, invece della carta giapponese, bacchette lignee per l’appensione inchiodate direttamente alle estremità del dipinto, oltre alla presenza di adesivi proteici utilizzati per l’assemblaggio delle varie parti al posto delle impalpabili colle amilacee giapponesi, ha provocato danni di grave entità all’intera collezione dei dipinti su carta. La notevole disomogeneità di comportamento fisico tra gli elementi costitutivi del manufatto, insieme alle caratteristiche di rigidità proprie dei materiali occidentali impiegati per il montaggio ‘alla giapponese’, ha causato seri danni fisici all’intera struttura dei manufatti, che per molti anni sono stati conservati arrotolati in una cassettiera del castello. La condizione conservativa dei dipinti prima del loro immagazzinamento in cassettiera non è documentata e questo ci priva di un dato importante per la valutazione del comportamento fisico tra i diversi materiali costitutivi.

Bollettino ICR. Il restauro della Cortigiana con parasole di kawanabe Kyosai nelle collezioni del Castello di Aglié
La Cortigiana con parasole prima del restauro a luce naturale (a sinistra) e a luce radente (a destra)

La Cortigiana con parasole mostrava una situazione conservativa drammatica, sia a carico del dipinto che del montaggio. La complessità di tale deterioramento, insieme all’esigenza di conservare un montaggio storicizzato, ha reso questo intervento di restauro una vera e propria sfida.

Il dipinto presentava gravi deformazioni del supporto cartaceo e un estremo inaridimento della carta, esteso anche alle bordure perimetrali che, a causa della cristallizzazione dell’adesivo impiegato e del prolungato arrotolamento con cui era stato conservato, risultavano sollevate, frantumate e distaccate in più punti. Le cadute erano particolarmente evidenti in corrispondenza dei lati superiore e inferiore, dove le bacchette lignee erano state applicate utilizzando chiodi battuti direttamente nella carta, che risultavano ormai completamente arrugginiti. In particolare, il peso della bacchetta inferiore aveva determinato ulteriori lacune di materiale cartaceo e frammentazioni con gravi perdite a carico della carta di bordura.

Il supporto cartaceo appariva consunto in corrispondenza di tutta l’area superiore del dipinto, dove si vedeva apparire la trama del tessuto sottostante; erano inoltre visibili lacune di varie dimensioni, tra cui alcune provocate dall’erosione del ‘pesciolino d’argento’.

Gore molto estese e scure interessavano in maniera disomogenea la superficie cartacea, in particolare l’area centrale del dipinto estendendosi fino alle carte di bordura, che per questo apparivano fortemente deturpate. Si ipotizza che il danno sia stato provocato dal contatto diretto del dipinto con acqua, che avrebbe contribuito alla migrazione della colla dal verso.

L’intera superficie era interessata da pieghe numerose e sottili, che con molta probabilità si sono formate in occasione della foderatura del dipinto con la tela. Dal verso, questa appariva fortemente adesa al supporto cartaceo. Sull’angolo inferiore sinistro erano incollate due etichette con due diversi numeri di inventario: una relativa all’inventario attuale e l’altra a quella del 1927, entrambe stampate con inchiostro blu. Le bacchette per l’appensione, realizzate in legno dipinto di nero, erano danneggiate da un massiccio attacco, ancora attivo, di insetti xilofagi.

[continua…]

(Estratto dall’articolo Il restauro della Cortigiana con parasole di Kawanabe Kyosai nelle collezioni del Castello di Aglié sul numero 34 del Bollettino ICR)

Bollettino ICR 34

Il dagherrotipo. Problematiche del deterioramento

Mai come nel caso del dagherrotipo ci troviamo a constatare che la fotografia è, prima di ogni altra cosa, un oggetto: e un oggetto complesso, alla cui costruzione (o distruzione) concorrono una miriade di fattori, alcuni chimici, altri meccanici. Nella veste più strutturata del dagherrotipo, quella che vede la lastra custodita in astucci, i danni fisici possono coinvolgere l’intero corpus dei componenti, dal sistema di chiusura dell’astuccio stesso (fibbia-gancio-cerniere), alla sua struttura, al cuscinetto in velluto (pad) solitamente posto sull’anta sinistra del pacchetto; ancora possono interessare la guarnizione (pinch pad) che accoglie l’immagine montata per arrivare al vetro di protezione, il preserver, la finestra e la lastra. Nel caso di lastre con montaggio alla francese, dove spesso i vetri sono dipinti, e le finestre contornate da linee dorate in polvere d’ottone o foglia d’oro, troviamo comunemente danni allo strato pittorico applicato al vetro così come alla cornice o al passepartout.

dagherrotipi
Lastra montata alla francese con passepartout in carta, sporco e con lacuna

I dagherrotipi stereoscopici, a causa di cedimenti nel posizionamento della lastra, possono presentarsi sfasati rispetto alla collocazione che permette la corretta visione tridimensionale. Nell’eventuale montaggio conservativo dei dagherrotipi stereoscopici bisognerà anche contenere lo spessore del pacchetto finale per poter inserire la stereoscopia nel visore e godere appieno dell’effetto tridimensionale. Una curiosa particolarità riguardante le lastre dagherrotipiche risiede nel fatto che la lucidatura della lastra non avveniva in maniera trasversale ma dall’alto al basso, questo per rendere possibile la visione dell’immagine nei visori lenticolari, nei quali la luce proveniva dall’alto, Le impronte delle morse per la lucidatura, un forellino situato nell’angolo e il taglio o l’abbassamento/rialzo degli angoli della lastra non sono da confondersi con danni ma sono invece da considerarsi interessanti caratteristiche che ci forniscono informazioni preziose sulla storia e sugli apparati che hanno contribuito alla nascita del dagherrotipo.

Osservare le condizioni della superficie della lastra permette di individuare la presenza di frammenti provenienti da parti del montaggio o dall’esterno: può trattarsi di depositi cristallini formati da polvere proveniente dal passepartout o dal mat ma anche dai pigmenti usati per la colorazione, dal rossetto da argentiere usato per la pulitura o anche piccoli fili provenienti dal cuscinetto in tessuto.

L’abrasione della lastra è il danno fisico più frequentemente riscontrato: può essere causato da maldestre manipolazioni, tentativi di spolveratura, pulitura oppure dallo smontaggio poco attento del pacchetto. Il sottile strato superficiale è particolarmente delicato, specie nelle lastre prodotte con laminazione. Nei casi gravi, grosse aree abrase possono disturbare la visione dell’immagine. Tale abrasione può essere prodotta per imperizia (per esempio se causata da pulizia o lucidatura) o accidentale (ad esempio, quando prodotta da maldestra movimentazione). Può anche essere causata dal contatto con il mat in ottone, e tale ipotesi si verifica generalmente quando il mat viene montato o rimosso, o se il pacchetto è sciolto e i componenti (lastra, mat, vetro) sono in grado di spostarsi liberamente tra di loro. Lunghe tracce sui bordi possono essere causate dall’estrazione della lastra dalla scatola con scanalature in cui veniva custodita. Altri danni sono scheggiature, graffi, raschiature, sgorbiature, tracce di impronte digitali.

Il restauro della fotografia. Dagherrotipi. Problematiche del deterioramento
Dagherrotipo stereoscopico montato sotto passepartout in cartoncino

L’esfoliazione è il sollevamento dello strato di argento dalla base di rame, la cui causa è da ricercare in corrosione, traumi termici che possono essere causati alla lastra in occasione della preparazione della stessa o interventi di pulitura. Anche una imperfetta produzione, che ha causato una cattiva adesione dell’argento al rame, può essere l’origine di tale danno.

L’assenza del vetro causa danno chimico per via del contatto con l’atmosfera ed espone la delicata superficie della lastra ad abrasioni e graffi. Quando il vetro di supporto si rompe, diviene palese come il contatto con l’ambiente sia dannoso per il dagherrotipo. La netta ossidazione che ricalca i margini della rottura è presto evidente. Nel frattempo, il vetro rotto, tenuto insieme dai nastri di sigillatura, imprigiona sotto di sé e a contatto con la lastra minuscole schegge che possono causare graffi e abrasioni. Il vetro ottocentesco (molto alcalino) utilizzato per il montaggio soffre particolarmente in caso di conservazione in ambiente umido (U.R. > 42%).

Quando si osservano sulla superficie interna del vetro aree opacizzate con o senza depositi oleosi, si è al cospetto del cosiddetto weeping ed è opportuno intervenire con la sostituzione del vetro di copertura, impiegando particolare attenzione nello smontaggio della lastra in quanto i depositi di silicato altamente corrosivi, che costituiscono l’alterazione del vetro, possono causare danni alla lastra. Ma la più tipica alterazione chimica dei dagherrotipi è l’ossidazione, fenomeno che avviene quando l’aria e gli elementi chimici che la compongono, a causa dell’assenza, rottura del vetro o sigillatura inadeguata del montaggio, vengono a contatto con la lastra argentata. Il fenomeno procede generalmente dall’esterno verso l’interno della lastra (edge tarnish front), è causato principalmente dallo zolfo presente nell’atmosfera e spesso s’intensifica in vicinanza del passepartout (mat tarnish front): In questo caso si riscontra spesso ossido d’argento. In alcuni casi ossidi e solfuri d’argento possono generare colori di interferenza.

Altra manifestazione del deterioramento sono gli aloni bianchi. Studi Raman hanno accertato che i composti presenti nelle aree ad alone biancastro sono formati da composti di cloruro d’argento. Non si è certi dell’origine di questa alterazione, il cloro potrebbe essere conferito dal bagno di doratura o da lavaggi successivi o ancora provenire dall’atmosfera, specie in località sul mare e con alta percentuale di umidità relativa.

Il restauro della fotografia. Dagherrotipi. Problematiche del deterioramento
Lastra dagherrotipica: alcune caratteristiche

Su lastre trattate con tiourea, invece, possono manifestarsi piccole macchie scure arrotondate, formate da cristalli d’argento, cloro, mercurio, tracce di zolfo e silicio che derivano da residui del trattamento non eliminati col lavaggio; queste macchie sono definite come morbillo dagherriano.

Oltre al danno ossidativo, può avvenire la corrosione del rame: la degradazione elettrochimica della lastra di rame per reazioni con l’ambiente o reagenti applicati può influenzare consistenza, colore o forma dell’oggetto. La corrosione è accelerata dalla presenza di acidi, basi e sali alogeni. Depositi di sale di rame sulla superficie della lastra sono un esempio di corrosione di rame.

I danni biologici si manifestano, come per gli altri fototipi, in caso di elevata umidità: in combinazione con macchie di rame, cristalli di solfuro d’argento e variazioni di ossidazione è possibile osservare la crescita di muffe.

Nell’epoca in cui assistiamo al tramonto della fotografia intesa come entità fisica realizzata dall’impressione della luce e dalla chimica, la conservazione del dagherrotipo è oggetto di attenzione, analisi e ricerche scientifiche. Per la ricerca sono state utilizzate sia lastre ottocentesche, sia dagherrotipi contemporanei paragonabili ai loro predecessori del XIX secolo per caratteristiche qualitative e quantitative strutturali. Negli ultimi anni sono stati condotti studi estremamente interessanti mirati alla caratterizzazione, documentazione e monitoraggio di questi affascinanti materiali fotografici, attraverso tecniche di analisi non invasiva, in particolare spettroscopia infrarossa, SEM-EDS, FTIR e Raman. Anche la metrologia ottica di superficie si è rivelata ideale per l’esame della lastra dagherrotipica: questa tecnica non invasiva e non distruttiva permette l’esame e favorisce la conservazione e il restauro di originali caratterizzati dal sottile spessore dello strato superficiale e consente di osservare le differenze tra immagine e substrato, di misurare profondità di graffi e spessore delle macchie e dei difetti della lastra nonché raccogliere dati per monitorare le condizioni e i cambiamenti dell’originale nel tempo. L’analisi della fluorescenza a raggi X (XRF) può invece essere utilizzata per determinare la composizione dell’immagine, per scoprire se la lastra è stata sottoposta a doratura, per identificare la lega di rame utilizzata per il substrato, per aiutare a identificare depositi superficiali, la corrosione e prodotti componenti l’ossidazione. Anche l’osservazione delle lastre e dei vetri di protezione a luce UV-A e UV-C permette di identificare i costituenti non visibili a occhio nudo e di monitorare lo stato di conservazione ed i trattamenti sugli oggetti.

Sotto illuminazione UV-A si può osservare la condizione della superficie del dagherrotipo: fibre, specie se moderne, e polvere rilucono e le aree di corrosione biancastre, prevalentemente composte da cloruro d’argento, vengono chiaramente evidenziate. L’osservazione della lastra sotto luce UV-C può invece rivelare la presenza di composti di cianuro di rame che possono provenire da fonti diverse, come l’electroplating (l’argentatura industriale), la doratura o il bagno di pulitura in cianuro di potassio.

Il restauro della fotografia. Dagherrotipi. Problematiche del deterioramento
Lastra ossidata in corrispondenza della rottura del vetro protettivo

Per quanto riguarda la riproduzione fotografica degli originali dagherrotipici esiste un protocollo che suggerisce un minimo di 40 riprese digitali per ogni oggetto. La quantità apparentemente copiosa di immagini è presto giustificata se pensiamo a una riproduzione che documenti la cornice o l’astuccio, chiuso e aperto, recto e verso, il sistema di chiusura e di cerniere, il vetro di protezione ed il mat, a luce normale e radente UV-A e UV-C, il cuscinetto, il preserver. A volte sono anche presenti etichette o oggetti inseriti nel pacchetto di montaggio. La lastra dovrebbe essere ripresa in maniera normale, speculare al fine di documentare l’ossidazione e a luce UV-A e UV-C per esaminare eventuali fluorescenze. Anche il verso della lastra, ovviamente, andrebbe fotografato a luce normale, UV-A e UV-C; hallmarks, punzoni e particolarità della lastra, come fori e tacche, andrebbero documentati come dettagli con lente macro, così come eventuali depositi sulla lastra. Una siffatta documentazione ci permetterà di controllare l’evoluzione dello stato dei conservazione dei dagherrotipi e il loro evolversi nel tempo, così come prima e dopo eventi quali mostre, esposizioni, interventi di restauro o trasferimenti in nuovi locali di conservazione. Per quanto riguarda l’acquisizione digitale della lastra è stata proposta una interessante soluzione che prevede di effettuare la scansione della lastra utilizzando uno scanner piano a fuoco variabile dal quale sia stata rimossa la lastra in vetro.

Estratto da:
Il restauro della fotografia. Materiali fotografici e cinematografici, analogici e digitali
a cura di Barbara Cattaneo
Nardini Editore

Restauro della fotografia. Materiali fotografici e cinematografici, analogici e digitali

Estate del ’44: storia di famiglie sconvolte dalla strage del Padule – Recensione su Stamptoscana

E’ davvero sorprendente la varietà dei metodi di approccio che la prima generazione del dopoguerra sta utilizzando per ricostruire la storia della propria famiglia. Si può procedere pubblicando diari e documenti che in qualche modo mantengono una loro completezza e una loro unità. Si può procedere con ricordi autobiografici nel quale inserire spezzoni di vita vissuta che tornano alla memoria. Oppure attraverso una vera e propria indagine basata su documenti e testimonianze, confronto delle fonti con le conferme frutto di lunga e meticolosa ricerca.

Naturalmente questa è la strada preferita da chi nella sua vita professionale ha maneggiato con cura materiali storici come Giovanna Lori, che per tanti anni ha insegnato materie letterarie. Ed è quella che sollecita nel lettore non solo la passione della scoperta di vite vissute che hanno anch’esse più o meno contribuito a formare il suo universo di valori ed emozioni .

Il libro “Era l’estate del ‘44” (Nardini Editore) accompagna il lettore passo dopo passo, documento per documento, personaggio per personaggio  in un’inchiesta condotta con ritmo da detective che non ci si aspetta da parte di chi si appresta a raccontare della propria famiglia. Qui i tempi sono diversi, qui si parla di esistenze vissute nel dramma e nel pericolo, negli anni dell’occupazione tedesca, della guerra civile fra fascisti e partigiani, della lotta per la liberazione di Firenze .

Una di queste vite, quella di Alessandra Nicole Settepassi, uccisa dalle truppe tedesche in ritirata al Padule di Fucecchio insieme ad altre 11 donne, due bambini e un ragazzo. Era il 23 agosto 1944. Una delle tante stragi nazifasciste che hanno insanguinato la Toscana. Al Padule i tedeschi intendevano vendicarsi del ferimento di uno di loro. Nella loro furia assassina trovarono mogli e figlie, perché i padri e i mariti si erano rifugiati nei canneti: fino a quel momento vi erano stati infatti solo rastrellamenti di braccia maschili per il lavoro forzato in Germania.

La tragica sorte di Sandra (figlia del cugino del padre dell’autrice) e il breve corso della sua vita a contatto con l’ambiente degli anni della formazione scolastica, “l’Istituto della Santissima Annunziata del Poggio Imperiale”, cuore narrativo del volume, è  al centro della grande tela di relazioni, personaggi, parenti e amici, intessuta dipanando un filo apparentemente esile: una citazione del padre incontrata nel libro Disegno della Liberazione italiana (1950) di Carlo Ludovico Ragghianti presidente del Comitato Toscano di Liberazione nazionale (CTLN), consultato per tutt’altra curiosità storica.

Si tratta di una lettera che Piero Lori aveva inviato al Comitato per denunciare le manovre volte a destabilizzare l’azione dei partigiani fiorentini alla vigilia del ritiro delle truppe naziste da Firenze, da parte di un alto ufficiale del tramontante regime fascista che dichiarava di avere un mandato del maresciallo Badoglio.

Giovanna decide di approfondire quell’episodio, consulta carte, interroga storici e figli di protagonisti. Progressivamente mette in  luce un’incredibile “ghirlanda fiorentina” di compagni e amici di gioventù che le leggi razziali, la guerra con le scelte drammatiche che impone, trasformano in nemici senza pietà.

Al centro di queste terribili vicende ci sono loro i Lori, i Vannucci, i Settepassi, una costellazione di famiglie che è più o meno indirettamente collegata con altri nuclei storici dell’alta borghesia e della nobiltà di Firenze.

Ma è il ricordo di Sandra Settepassi, morta innocente, ciò che dà valore e sostanza alle loro esistenze. Il libro si raccomanda per lo stile che unisce l’oggettività di una meticolosa analisi storica con la curiosità e la passione di chi va alla ricerca delle radici della propria esistenza.

Il Salotto dei Libri Nardini Editore al Salone del Restauro di Ferrara – Il programma degli incontri

Il Salotto dei Libri Nardini Editore al Salone del Restauro di Ferrara - Il programma degli incontri

Ferrara, Salone del Restauro, 18-19-20 settembre
Il programma del Salotto dei Libri, spazio aperto gestito da Nardini Bookstore.
IL SALOTTO DEI LIBRI è allo Stand Nardini Editore, Padiglione I


IMPORTANTE! Per entrare gratuitamente al Salone del Restauro è necessario pre-registrarsi online entro il 16 settembre alla pagina http://www.webland2000.com/restauro2019/ . Fatelo subito! Vi aspettiamo.


 

Mercoledì 18 settembre
Ore 11
Apertura Salotto dei Libri e presentazione del programma degli incontri e delle novità di Nardini Editore.

Ore 11.30 – 12.15
Libro, beni culturali e realtà aumentata: le nuove frontiere dell’editoria. Il mondo digitale e il libro cartaceo. Incontro con OFFICINE VALIS e le proposte innovative per dare vita alle pagine stampate, ai materiali promozionali museali, turistici e per la conservazione dei beni culturali.
Partecipano: Luigi Grimaldi e Daniele Mu (officine Valis), Ennio Bazzoni (Nardini Editore)

Ore 12.30 – 13.15

Spazio disponibile

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Ore 14.00 – 15.00
GRAZIE, ANDREA! Il saluto ad Andrea Galeazzi: il ricordo del responsabile del settore Restauro in Nardini Editore negli interventi (non programmati) degli amici e degli autori: chiunque potrà intervenire parlando del suo rapporto con Andrea, del lavoro comune, delle idee e del suo lascito, ad alcuni mesi dalla sua scomparsa. Vi invitiamo a partecipare! Sarà il modo, semplice come avrebbe voluto lui, di salutarlo e di ringraziarlo. Questo è il primo anno senza Andrea, che è stato presente in tutte le edizioni del Salone.

Ore 15.30 – 16.15
La cooperazione fra restauro italiano e università internazionali: proposta di lavoro comune fra Victoria University of Wellington – VUW (Nuova Zelanda) e Università Suor Orsola Benincasa – UNISOB Napoli.
Esplorare le reali possibilità di collaborazione per valorizzare e far comunicare fra loro i diversi approcci alla conservazione dei beni culturali e alle tradizioni, per trasmettere le effettive opportunità per studenti e restauratori in Paesi lontani. L’utilità della cooperazione fra centri di studio, musei e professionisti.
Partecipano: Carolina Izzo (VUW) e Monica Martelli Castaldi (UNISOB).

Ore 16.30 – 17.15
Un libro sul restauro degli arazzi e un articolo sul paramento di Innocenzo X in via d’essere completati.
Pertegato/Galeazzi: works in progress
Con Francesco Pertegato

Ore 17.30 – 18.15
Libro, beni culturali e realtà aumentata: le nuove frontiere dell’editoria. Il mondo digitale e il libro cartaceo. Incontro con OFFICINE VALIS e le proposte innovative per dare vita alle pagine stampate, ai materiali promozionali museali, turistici e per la conservazione dei beni culturali.
Partecipano Luigi Grimaldi e Daniele Mu (officine Valis), Ennio Bazzoni (Nardini Editore)

Giovedi 19 settembre

Ore 10.30 – 11.15

Spazio libero

Ore 11.30 – 12.15
L’architettura rurale come occasione di crescita per le aree interne. Linee guida alla conoscenza e alla conservazione del patrimonio architettonico montano rurale. L’esempio della Valle Trompia.
Partecipano Barbara Scala e Cristina Boniotti (Università di Brescia)
 
Ore 12.30 – 13.15
I nuovi polimeri per il restauro. Presentazione in anteprima della collana HERITAGE, MAINTENANCE, INNOVATION – Ricerca e innovazione al servizio del restauro, a cura di Giovanna C. Scicolone, Nardini Editore. La collana, che vedrà il primo titolo in uscita entro il 2019, sarà composta da volumi che tratteranno i nuovi interventi conservativi, e i relativi nuovi polimeri per effettuarli, sulle varie tipologie di opere d’arte. Si tratta dei risultati di un progetto multidisciplinare (approvato dal MIUR) il cui obiettivo è realizzare strumenti (dalla chimica all’informatica) che consentano di trasformare il restauro da manutenzione straordinaria in ordinaria, minimizzando il degrado e la perdita di valore dell’opera.
IN QUESTA COLLANA I LIBRI PRENDONO VITA. Con l’occasione verrà presentato il progetto dell’uso in questi volumi della Realtà Aumentata per l’arricchimento di informazioni digitali, video e immagini, permesso dall’utilizzo combinato del libro fisico e di uno smartphone e realizzato attraverso un’apposita applicazione gratuita per l’acquirente del libro. Le immagini del volume prendono vita e consentono di fruire di contenuti video, audio, ricostruzioni 3D, rassegne fotografiche, animazioni.
Partecipano: Giovanna C. Scicolone, Chiara Serafino, Sara Belloni, Alice Toniolo, Antonio Sansonetti, Laura Baratin, Francesca Gasparetto, Giulia Dall’Igna.
Con l’intervento di Luigi Grimaldi e Daniele Mu di Officine Valis.
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Ore 14.45 – 15.30
APLAR 6. Applicazioni Laser nel Restauro. I Laser in combinazione con… Presentazione del nuovo volume contenente gli Atti del Convegno APLAR 6 svoltosi a Firenze nel 2017. Nell’occasione di Ferrara si presenterà anche la Call di APLAR 7 (Palazzo Ducale di Venezia, 7-8 novembre 2019). APLAR 6 ha avuto per tema “I laser in combinazione con…“, un corollario sottile, volto a fare il punto sulle potenzialità di uso combinato della tecnologia laser con altre tecniche conservative, tradizionali o innovative, con il fine di raggiungere un risultato più vicino alle esigenze e all’etica della conservazione.
Partecipano: Giancarlo Lanterna, Anna Brunetto
 
Ore 15.45 – 16.30
Riscoprire il gesso.
Nuove opportunità per l’edilizia sostenibile e per la conservazione del patrimonio. La cultura materiale.
Anteprima del libro e dell’e-book in uscita con Nardini Editore entro il 2019.
Dal ruolo marginale del tema “gesso” nella storia dell’arte e nella storia delle tecniche costruttive alla nuova consapevolezza dell’importanza del suo impiego che consente di annoverarlo tra i materiali fondamentali nella produzione artistica e architettonica su scala mondiale, con particolare riferimento all’ornamentazione plastica. Rilevante è l’impiego nell’isolamento termico, come materiale ignifugo, versatile, economico e dalle notevoli prestazioni fisiche.
Partecipa: Lisa Accurti – architetto, PhD in Conservazione dei Beni Architettonici e ambientali, e specialista in Restauro dei Monumenti.
 
Ore 16.45 – 17.30
BIOARCHITETTURAAppunti per una città sostenibile.
Anteprima del libro in uscita con Nardini Editore entro il 2019.
La riconversione ecologica del costruito per una maggiore qualità ambientale e sociale – L’ecologia applicata al costruire – Le radici del pensiero Bioarchitettura – Biourbanistica ed espansione a costo zero – Uso dei materiali alternativi in architettura – La città attrattiva e sostenibile – Ambiente abitato, cambiamenti climatici e salute…
Partecipano gli architetti Giulia Bertolucci, Maria Grazia Contadini, Rodolfo Collodi, Stefano Tonelli (INBAR- Istituto Nazionale di Bioarchitettura – sez. Lucca)

 
Venerdì 20 settembre

Ore 10.30 – 11.15

Spazio disponibile

Ore 11.30 – 12.15
La pietra serena del Rinascimento fiorentino. Catalogazione degli utensili e loro utilizzo
Da una ricerca, una mostra e un libro in preparazione. La lavorazione della pietra serena estratta dalle cave del territorio di Fiesole (Firenze) comprende le tecnologie e le operazioni che producono un’azione meccanica sul materiale: dalla cavatura alla sbozzatura, dalla posa in opera alla finitura. La pietra che ha reso straordinari i particolari degli edifici storici dell’area di Firenze poteva e può essere lavorata con strumenti e attrezzi la cui storia e il cui utilizzo sono un tutt’uno con la stessa pietra e con le generazioni di cavatori. Una cultura popolare ma anche una sapienza tecnica che deve essere conservata. La ricerca, realizzata da Elena Maria Petrini, presenta la collezione del Maestro Scalpellino Enrico Papini. L’approccio scientifico sul migliore utilizzo degli strumenti e sulle tracce lasciate sui manufatti permette di studiare i processi di degrado dei paramenti lapidei ai fini della conservazione.
Partecipa Elena Maria Petrini.
 
Ore 12.30 – 13.15
Libro, beni culturali e realtà aumentata: le nuove frontiere dell’editoria. Il mondo digitale e il libro cartaceo. Incontro con OFFICINE VALIS e le proposte innovative per dare vita alle pagine stampate, ai materiali promozionali museali, turistici e per la conservazione dei beni culturali.
Partecipano Luigi Grimaldi e Daniele Mu (officine Valis), Ennio Bazzoni (Nardini Editore)
 
Ore 12.30 – 13.15
Spazio disponibile

 

Nardini Editore Media partner del Salone del Restauro di Ferrara 2019

Nardini Editore Media partner del Salone del Restauro di Ferrara 2019

Vi aspettiamo al Salone Internazionale del Restauro, dei Musei e delle Imprese Culturali, Ferrara Fiere Congressi, dal 18 al 20 settembre 2019, alla Stand Nardini Editore (Pad. 1, Stand C2-D1)

Vi ricordiamo che poter entrare gratuitamente è necessaria la pre-registrazione online sul sito del Salone entro il 16 settembre alla pagina http://www.webland2000.com/restauro2019/. Per tutti gli altri il costo d’ingresso è di Euro 15,00.

Anche per la XXVI edizione il Salone prevede la presenza di prestigiosi partner e autorevoli realtà pubbliche e private. È riconfermata la partecipazione del MiBAC – Ministero per i beni e le attività culturali, il quale ha individuato nel Salone la cornice perfetta per presentare e affrontare alcuni dei temi più attuali relativi alle imprese culturali e alla loro fruizione. Saranno,
inoltre, presenti: la Fondazione Scuola dei beni e delle attività culturali; Assorestauro – Associazione italiana per il restauro architettonico, artistico, urbano; Federculture; ANMLI, Associazione Nazionale dei Musei di Enti Locali e Istituzionali; la Regione
Emilia-Romagna; la CNA Emilia-Romagna; il Clust-ER BUILD Emilia Romagna; la Provincia di Ferrara; l’Università degli Studi di Ferrara; il SMA – Sistema Museale di Ateneo dell’Università di Bologna; ICOM Italia, il principale network italiano di musei e
professionisti museali; Mad’in Europe, il portale europeo dei restauratori di beni culturali e dei professionisti nei mestieri dell’artigianato e mestieri d’arte; Assocastelli, l’associazione italiana dei gestori e proprietari di dimore e residenza d’epoca e storiche; il Museo Realtà Virtuale La Macchina del Tempo; il Museo Hermitage di San Pietroburgo; l’Opificio delle Pietre Dure; il Green Building Council Italia; l’Associazione dei Beni Patrimonio mondiale Unesco; l’ABCOnlus, Associazione Beni Culturali Onlus e molti altri.
Durante il Salone sarà inoltre presentato un progetto inedito e attuale a cura di Letizia Caselli, “Teatr’in Musica. Una voce per i teatri chiusi, inagibili, con restauri complessi”.
Anche per il 2019 il Salone vedrà la presenza delle più importanti aziende italiane e internazionali provenienti da diversi settori nell’ambito dei beni culturali: dal restauro  alla diagnostica, dalle tecnologie ai prodotti e materiali, dall’illuminazione al merchandising museale, dai veicoli d’epoca al restauro di libri antichi.

Per maggiori informazioni e contatti: https://www.salonedelrestauro.com/new/it/home/

Un grande autore torna dagli USA nella sua Roma. Mercoledì 31 luglio 2019

Il libro fiorentino dei morti - di Fulvio Ottaviano. Nardini Editore - Iena Reader

Mercoledì 31 luglio 2019, ore 18:00
Libreria Altroquando, Via del Governo Vecchio, 83, Roma

Presentazione del thriller
IL LIBRO FIORENTINO DEI MORTI
di Fulvio Ottaviano
(Nardini Editore)

FULVIO OTTAVIANO – Scrittore, sceneggiatore, regista,
è nato a Roma e vive a Santa Fe, in New Mexico.
Ha scritto per il grande schermo e per la televisione collaborando con Ettore Scola, Vincenzo Cerami e altre grandi firme del cinema italiano. Nel 1997 è stato premiato con il David di Donatello come miglior regista esordiente. Tra i suoi film ricordiamo “Cresceranno i carciofi a Mimongo” (1996), “Abbiamo solo fatto l’amore” (1997), “Una talpa al bioparco” (2004).
Con “Il libro fiorentino dei morti” mostra una straordinaria vena creativa accompagnata da una inusuale dimestichezza con i dialoghi, che fanno di questo libro una lettura coinvolgente e anche divertente.

A Ruggero Breschi, titolare di un negozio di intimo femminile, “basta un colpo d’occhio per indovinare che marca, colore e tessuto di mutanda siano quelli preferiti da una determinata persona”, ma stranamente, con Klaus Shulte, l’impresa si
presenta particolarmente difficile.
Siamo in una fattoria isolata della campagna senese, ed è proprio da qui che parte la vicenda del Breschi, quarantenne single, quasi esclusivamente interessato al suo business e spesso chiuso nei romantici quanto dolorosi ricordi della sua relazione segreta con Susan Mironi, moglie di uno dei più famosi oncologi della città, tragicamente scomparsa a causa di un incidente.
E certamente questi ricordi avrebbero potuto restare tali, se un giorno, in negozio, non fosse arrivata Miriam, figlia della donna, presenza attraverso la quale Ruggero si trova catapultato nella inimmaginata realtà in cui Susan si muoveva, un mondo fatto di esoterismo e misteriose sette che lo sorprende e lo disorienta spingendolo a chiedersi se quello capitato a Susan sia stato davvero un incidente e, di più, se Susan sia veramente morta.
Alla ricerca della verità, Ruggero parte per un viaggio che lo porterà dalla Svezia alla Germania, una pista che si intreccia
e si confonde tra incubi rivelatori, inaspettati eventi e originali personaggi.
Fulvio Ottaviano entra nei recessi e nei meandri di tante vite private mettendo in scena un noir di solido impianto, volutamente condotto attraverso una scrittura a tratti “cinematografica” capace di rendere il testo visibile, come un film, per regalare al lettore-spettatore la perfetta alternanza di momenti di spietata tensione a scene più leggere, che riescono a commuovere e persino a far sorridere.

Presentano il libro:
– Maria Rosaria Perilli, scrittrice e poetessa, vive a Firenze. Autrice di noir, romanzi e viaggi letterari. Suoi i primi due titoli della collana di Nardini Editore “Città Mai Viste”: “Viaggio a Firenze, di Wiliam Shakespeare” e “Viaggio a Napoli, di Charles Baudelaire”.
– Stefano Petrocchi, storico e critico d’arte, direttore di istituzioni museali e del Polo Museale del Lazio, Si occupa di valorizzazione e tutela delle opere d’arte antica. Autore di vari titoli sulla pittura del Rinascimento fiorentino e romano e di presentazioni e cataloghi di mostre di artisti contemporanei.

Apre la mostra ‘Annunciazioni ‘Crivellesche’ tra Marca e Abruzzo: il ritorno delle opere di Rotella nelle terre ferite dal sisma’. Musei Sistini con catalogo Nardini Editore

annunciazioni crivellesche - Musei Piceni - Nardini Editore

Sarà Peter Aufreiter, il direttore austriaco della Galleria Nazionale delle Marche di Urbino, a presentare domani sabato 20 luglio alle ore 17.30 presso il Museo di arte sacra di Rotella il catalogo (Nardini editore FI)  della mostra ‘Annunciazioni ‘Crivellesche’ tra Marca e Abruzzo: il ritorno delle opere di Rotella nelle terre ferite dal sisma’.

Il nucleo centrale della mostra è costituito dal ritorno a Rotella dopo 100 anni di un gruppo scultoreo tardogotico, raffigurante l’angelo annunziante e la Vergine annunciata della fine del 1400; le sculture infatti furono vendute nel 1919 dall’allora parroco e acquisite dalla Galleria Nazionale delle Marche attraverso il Soprintendente Luigi Serra.  Oggi le due sculture fanno bella mostra lungo il percorso della Galleria di Urbino ed è stato proprio il Direttore Aufreiter ad acconsentire  al prestito temporaneo per la mostra di Rotella facendo ricongiungere le sculture alla loro comunità.

Ad esse si sono affiancati altri gruppi scultorei dello stesso soggetto che sono stati accostati a quello di Rotella da importanti storici dell’arte dagli anni Trenta in avanti e che oggi si possono ammirare finalmente insieme per la prima volta. Primo tra tutti quello del museo fiorentino del Bargello in pietra della Maiella proveniente dall’Abruzzo (esposto al Bargello nel salone di Donatello ma talmente in alto da non poter essere ammirato) e quello raffinatissimo e prezioso proveniente dalla Galleria Nazionale dell’Umbria oltre a quello dalla pinacoteca di Ripatransone, una croce con un niello raffigurante l’annunciazione proveniente da Monteleone di Fermo, un arazzo fiammingo realizzato da un atelier di Bruxelles e ora conservato nella Pinacoteca di Fermo insieme ad altre opere ancora.

Peter Aufreiter introdurrà domani la pubblicazione del catalogo della mostra mentre il dott. Alessandro Marchi del Polo Museale dell’Emilia Romagna potrà esporre più direttamente le varie opere presenti nel catalogo; fino a qualche anno fa era un funzionario storico dell’arte della Soprintendenza di Urbino e conosce benissimo il nostro territorio.

Infine la nota casa editrice che ha pubblicato il catalogo è la nota casa fiorentina ‘Nardini Editore’ che ancora una volta felicemente sposato la causa di pubblicare un catalogo dei Musei Sistini del Piceno.

Curatori: Paola Di Girolami, Alessandro Marchi e Massimo Papetti

Autori dei saggi: Paola Di Girolami, Alessandro Marchi, Alessandro del Priori e Giuseppe Capriotti.

Nardini non va in vacanza!

Nel periodo estivo, Nardini Editore rimarrà operativo. Potrete quindi continuare ad acquistare regolarmente sul nostro sito e a contattarci per qualsiasi esigenza a [email protected]. In questi giorni non solo evaderemo regolarmente gli ordini ma continueremo con nuove offerte su tutto il nostro catalogo non solo professionale, ma di narrativa, viaggio e varia.
Anche il nostro Bookstore di Firenze, in Via delle Vecchie Carceri rimarrà aperto, ad eccezione dei giorni dal 10 al 18 agosto. Vi aspettiamo